Tiphaine Populu de La Forge a photographié des légumes sur des journaux pour raconter notre rapport au monde pendant la crise sanitaire et plus particulièrement l’expérience du confinement de 2020.
Cette série Et la pluie s’arrête au seuil, montre ainsi des carottes, des épinards, des navets et tant d’autres légumes, qui étaient pour elle une sorte de dernier lien avec l’extérieur auquel on ne pouvait plus vraiment accéder. Elle a posé des légumes, muets, prosaïques, sur des journaux au contraire bavards et savants pour créer des zones de silence, transformer ce végétal en architecture pour créer des murs où s’abriter du monde, des refuges d’où observer le chaos ambiant. Ces cabanes lui rappellent celles dans lesquelles elle se consolait enfant avant d’en construire pour les animaux blessés.
Les actualités quotidiennes – les soignants, la culture, l’Inde, les tensions transfrontalières, Trump, l’École – sont devenues le support de fond, le paysage historique de ses constructions. Elle a cherché la porosité entre les genres de la photographie.
L’artiste, rencontrée lors d’un Tête- à -Tête des Filles de la Photo, s’intéresse aux mécanismes psychologiques et cognitifs à l’œuvre face aux situations de crises (personnelle, sociale, environnementale). La photographie lui permet de transfigurer le réel pour rendre le monde plus habitable. Avec des éléments de notre quotidien, de ceux qui relèveraient normalement de la nature morte, les légumes, le journal, le café, elle a voulu créer des paysages intérieurs, ramener un peu de poésie dans un quotidien qui lui est difficilement supportable. « Mes cabanes symboliques sont précaires, fragiles, éphémères, tantôt repliées sur elles-mêmes, tantôt ouvertes sur l’extérieur, parfois sur la défensive. Elles aussi elles luttent pour tenir bon. Oui, comme nous. »
L’image par l’image vous invite à vous réfugier dans ces cabanes et à regarder le monde différemment.

Tiphaine Populu de La Forge a répondu aux questions de l’image par l’image

Quand (et comment) avez-vous commencé la photographie ?
Fille et petite-fille de photographes, l’image m’accompagne depuis toujours. Parce qu’enfant, je craignais de casser le matériel argentique et qu’être « sur la photo » me terrifiait, la photographie est pourtant longtemps restée la part des hommes de ma famille, une présence aussi familière qu’étrangère. Adolescente, je lui ai préféré le dessin et l’écriture. À 23 ans, j’ai fait mes premières photographies pour rétablir le lien avec mon grand-père malade. Puis pour que l’appareil photographique le plus ancien de sa collection, une chambre d’atelier, ne soit pas vendu après sa mort. C’est en autodidacte que je suis venue à la photographie en 2015, en commençant par le collodion humide sur verre. Ma pratique s’est bientôt étendue à l’argentique. Depuis, des rencontres déterminantes ponctuent mon parcours.  

Qu’est-ce qui vous anime, pourquoi la photographie ?
Elle est ce que j’ai trouvé de plus efficace pour canaliser mes émotions, mettre de l’ordre dans le flot continu de mes pensées, donner une existence concrète à mes idées, transformer ce que je vois et ce que je ressens pour rendre le monde moins douloureux. Ici, je me sens là où je dois être, et ma photographie me donne une chance incroyable, celle de rencontrer de belles personnes. Ce qui m’anime, c’est le plaisir de la construction. Ficeler des idées pour qu’elles se tiennent et fassent sens. Trouver, grâce à un boitier, une optique, une surface sensible et un support final comment les traduire au plus juste. Le meilleur reste le moment du partage, quand l’œuvre continue de se construire grâce au regard des spectateurs.

Pourquoi cette série Et la pluie s’arrête au seuil ?
J’ai réalisé cette série pendant la masterclass pilotée par Sylvie HUGUES, FLORE et Adrian CLARET et élaboré ce travail de mars à novembre 2020. Sur fond de crise sanitaire, j’ai composé avec les contraintes matérielles, temporelles, spatiales sans jamais sentir mon imaginaire bridé. Ce travail a été chaleureusement accueilli et soutenu tout au long des 8 mois de travail. Et la pluie s’arrête au seuil était un peu mon incantation pour résister au flot de mauvaises nouvelles sur l’état du monde en temps de crise sanitaire. Je me suis souvenue qu’enfant, pour affronter les moments difficiles, je construisais des refuges. Alors, j’ai façonné des cabanes, symboliques, pour rendre le monde plus habitable. Des radeaux précaires, faits de choses essentielles, de morceaux de nature utiles à la vie, pour traverser la tempête.

Pouvez-vous nous éclairer sur votre processus de création et sa réalisation ?
Pour cette série, l’idée est venue avant la première photographie. Elle a pris corps suite à la vision d’une botte de carottes sur l’étal d’un marchand. C’était fin mars 2020. Autour, les gens s’inquiétaient des possibles pénuries à venir.
Les journaux quotidiens ont été triés par thèmes puis teintés au café pour mettre un filtre sur les titres, casser le contraste noir sur blanc, et me rapprocher de l’esthétique des planches botaniques. Au fil de l’actualité, j’ai assemblé ces fonds modestes pour créer du sens et un ancrage à mes structures. En fonction des sujets et de la saison, j’ai choisi les légumes à travailler et les ai montés en cabanes puis les ai photographiés au moyen format argentique. Un processus répétitif, à l’image du temps confiné, avec pour seules variations les mots de l’arrière plan et le caractère propre à chaque cabane.
Le plus souvent, mon processus créatif m’amène à photographier une fois que j’ai déjà élaboré en grande partie le fond et la forme que prendra le travail. Le choix de mes appareils m’invite à certaine lenteur, contrebalancée par la cadence de mes associations d’idées. Sensible à la couleur des sons (synesthésie), travailler en couleur ne me demande pas le même type d’approche que le monochrome. Il y a des couleurs, voire des accords colorés que je ne parviens pas à photographier tant leur dissonance me heurte. Je photographie et donne à voir la musique que je suis capable d’entendre et parfois, je trouve refuge dans le noir et blanc, plus silencieux.

Comment choisissez-vous vos thèmes photographiques ?
Ils s’imposent assez naturellement. Je m’intéresse à la manière dont nous parvenons à surmonter les traumatismes, à transformer le négatif, en positif. En focalisant sur différents types de crises, intime, sociale, environnementale, j’évoque aussi, en filigrane, ma propre histoire. J’adapte mon procédé de prise de vue et de tirage au projet, avec la volonté de donner à mes photographies une forme d’intemporalité. J’aime la porosité entre le passé et le présent, la réalité et la fiction, la photographie et la peinture, la littérature ou les autres arts.

Quelle est votre relation avec la commande photographique ?
J’ai peu d’expérience dans ce domaine mais je m’en rapproche un peu plus chaque jour et j’espère pouvoir compter la commande comme une activité à part entière de ma pratique dans les mois / années à venir. J’aimerais mettre mes idées et mes images au service des marques. Le cadre donné par la commande est un contexte de création stimulant auquel je me sens enfin préparée, une occasion de se dépasser en jouant avec les contraintes.

Sur quoi travaillez-vous en ce moment ?
Alors que la crise sanitaire s’étire dans le temps, je travaille à faire connaître les cabanes de Et la pluie s’arrête au seuil. Par ailleurs, une partie de mon temps est consacrée à un projet de livre pour ma série Sous le vent la terre, autour des répercussions directes et indirectes du changement climatique.
Une partie de mon travail sera prochainement exposée dans un lieu parisien atypique que je dois encore garder secret. Je travaille également en collaboration avec un château à Monts en  Touraine, le Domaine de Candé, pour un travail qui s’apparente à une « carte blanche ». L’exposition a été reportée à cause de la crise sanitaire et devrait, j’espère, se tenir en 2022. Enfin, j’entame actuellement la phase prises de vues pour ma prochaine série.

Tiphaine Populu de La Forge est diplômée d’un double cursus en Histoire de l’Art et Lettres Modernes.
Née en 1987 à Blois, dans une famille de photographes, elle étanche très tôt sa soif d’images au dessin, à la sculpture et à l’écriture. Certifiée en Lettres, elle a enseigné la littérature jusqu’en 2015.
Photographe autodidacte, elle approfondit sa pratique photographique notamment auprès de la photographe FLORE lors de workshops.
Son parcours, universitaire, artistique et littéraire nourrit aujourd’hui son approche plasticienne et l’amène à développer une recherche sur la relation de l’image au texte.L’artiste travaille principalement en argentique.

https://www.tiphainepopuludelaforge.com

Frédéric Delangle est un photographe connu pour ses travaux d’architecture et de paysage à qui l’image par l’image a déjà donné une carte blanche en 2019 suite à un travail de commande « Des sneakers comme Jay-Z » réalisé en duo avec Ambroise Tezenas pour l’association Emmaüs Solidarité à Paris.
Les images de sa série I shot the street prises en Inde pendant plusieurs séjours en résidence durant les 7 dernières années tombent à pic pour vous donner un avant -goût de voyage à l’issue de cette année de semi-confinement. Ces images prises dans la rue ont été classées, organisées par l’auteur pour donner sens et comprendre le chaos apparent des scènes photographiées.
Frédéric Delangle tel un conteur nous donne à voir une pièce de théâtre, un spectacle de la rue indienne qui va vous enchanter, nous n’en doutons pas. Il nous éclaire dans ses réponses à nos questions sur le processus de création d’un travail en résidence.

Frédéric Delangle a répondu aux questions de l’image par l’image

Qu’est-ce qui vous anime, pourquoi la photographie ?
La photographie s’est imposée comme mon moyen de communication privilégié. Elle fait émerger ma pensée et m’aide à appréhender le monde. Je suis tout simplement plus à l’aise avec l‘image qu’avec les mots pour percevoir mon environnement, structurer ma pensée et communiquer avec le regard.

Vous êtes connu pour vos travaux sur le paysage et d’architecture, est- ce ainsi que vous définissez comme photographe ?
J’aime remettre en question ma pratique en explorant de nouveaux sujets dans lesquels on ne m’attend pas.
Je peux ainsi réaliser des portraits avec une approche qui sera différente de celle d’un portraitiste, en utilisant par exemple la chambre photographique qui privilégie le temps long, luxe que peu de photographes se permettent aujourd’hui.

 Pourquoi cette série I shot the street ?
Lorsque mes sujets ne sont pas des commandes précises, je les choisis par goût ou attirance par une question.
I shot the street est venue d’une invitation à une résidence en Inde prévue pour 1 à 3 mois sans objet précis, à l’invitation d’un mécène propriétaire d’une chaine d’hôtels qui ne demandait rien d’autre qu’une vision différente de la vision touristique classique.
C’était une grande chance de pouvoir bénéficier de cette liberté rare.

 Est-ce différent d’une carte blanche et en quoi ?
Oui pour moi c’est très différent. Une carte blanche ne nécessite pas d’être dans un lieu particulier. Le commanditaire fait appel au photographe pour des idées nouvelles.
Une Résidence comme celle -là est beaucoup plus rare car elle n’oblige à rien et le travail de création a ainsi été total.
J’aime créer sur un lieu qui n’est pas mon territoire habituel, c’est une façon nouvelle d’appréhender mon processus de création et d’explorer un nouveau terrain de jeu.de l’appréhender. C’est aussi plus facile de photographier un lieu que l’on ne connait pas., que l’on découvre contrairement à un lieu fréquenté tous les jours et que l’on ne regarde plus.

 Pouvez-vous nous éclairer sur votre processus de création et leur réalisation ?
Je me laisse guider par ce que je vois et passe du temps à regarder avant de photographier.
Pour la série I shot the street, j’ai beaucoup photographié au téléobjectif, puis j’ai détouré, découpé et classé les différents éléments par séries, je les ai organisés comme une accumulation d’objets et de sujets pour comprendre le chaos que Gandhi qualifiait d’harmonieux afin d’en constituer plus de 150 planches de typologies différentes !
J’ai ainsi des séries de femmes habillées en noir ou en blanc, ou tout en couleur, des hommes en longui avec les nœuds à refaire toute la journée, des petites filles déguisées en princesses le dimanche sur les plages, les fleurs dans les cheveux. Les turbans sur l’épaule ou pour cacher leurs cheveux, les cheveux teints roux sacrés,  les castes Sadhus en deux roues, les eunuques, les Intouchables, les hommes politiques corrompus , la police, jeunes plus actifs, les plus anciens qui passent le temps aux carrefours, les mendiants, les transports sur la tête, sur l’épaule,  les transports des lampes, des chaises, les bouteilles d’eau, à vélo, en camion en deux roues en camions, des échelles, pousse- pousse pour des touristes ou / et des marchandises, individuels ou collectifs, triporteur à vélo, arrière ou avant, en moto, charriot à 4 roues, rickshaws de ville, électriques, de couleur selon les villes, les campagnes, les parcours, les cars, les camions. Les voiles des hommes et des femmes, les poux et les vœux qui expliquent les crânes rasés des femmes et des hommes, les selfies le dimanche en famille…. Toute une société en planches de photos.   

 Des expositions en préparation / des éditions?
Je travaille sur un projet de livre sur les gravures préhistoriques de la grotte de la Marche, représentant les premiers portraits de l’humanité.
J’ai également un projet d’exposition de Microshop à la médiathèque de Neuilly-sur-Marne en novembre prochain.

Qui est Frédéric Delangle? 

Né en 1965, Frédéric Delangle est diplômé du département photographique de Paris 8. Dès ses débuts, il s’est passionné pour l’urbanisme, le paysage et le portrait et développe un travail personnel à la chambre photographique ainsi qu’un travail de commande institutionnelle et d’architecture.
En 2001, il fait son premier voyage en Inde qui marque un tournant dans son travail et l’engage dans un projet de quinze années sur l’Inde contemporaine.
Il en propose une analyse à travers un décodage enjoué ; les différentes segmentations, urbanistiques et sociologiques du pays, font l’objet de détournements plastiques, notamment au travers de 5 séries aux formes hybrides Ahmedabad, Microshop, I shot the street, Stairway to heaven et Paris-Delhi. Au printemps 2017 la Galerie Binome présentait pour la première fois une rétrospective de ce travail avec l’exposition « Printemps indien » dans le cadre du Mois de la Photo du Grand Paris 2017. En 2018, il expose également 5 séries indiennes au festival de la Gacilly.

En 2011, il co-crée France(s) territoire liquide, mission photographique sur le paysage français dans la lignée du projet de la DATAR, qui regroupe 43 photographes et développe sa série Paris-Delhi. Elle fut exposée à l’occasion de l’Année France-Colombie 2017 au Musée d’Art Moderne de Bogota et au Musée d’Antioquia de Medellin puis à la BnF dans l’exposition collective Paysages français, une aventure photographique.

En 2017, il expose sa série Venezia, la scomparsa à la Fondation Wilmotte pendant la Biennale de Venise, fruit d’une carte blanche confiée par l’architecte.

Hiver 2017, il collabore avec Ambroise Tézenas à la réalisation de portraits d’exilés dans le centre d’accueil d’Emmaüs Solidarité porte de la Chapelle, réalisés à la chambre 4×5 : Des sneakers comme Jay-Z. Ils présentent ce travail aux Rencontres d’Arles, à la Quinzaine Photographique Nantaise et à la Grande Halle de la Villette en 2018 et au Foam Museum à Amsterdam en 2019-2020.

Il travaille actuellement avec le Musée de la Préhistoire de Lussac- les-Châteaux sur des relevés photographiques de pierres gravées, représentant des figures humaines exceptionnelles, datant de la période magdalénienne
(-15000), en vue de réaliser un livre et une exposition.

Pour son travail de commande, il collabore très régulièrement avec des agences d’architecture, des urbanistes, des paysagistes et des sociétés institutionnelles parmi lesquels TOA Architecture, RH+, Eole, Paris Habitat, la SEMIP, RDAI, Louis Benech, BFV Architecture, Plan01, Atelier du Pont…

Il a participé également à une exposition collective à la Biennale d’Architecture de Venise en 2016 avec AJAP14. Il a répondu à l’invitation de Jean-Michel Wilmotte pour la réalisation d’une carte blanche sur la ville de Venise dont le fruit a été exposé à la Fondation Wilmotte pendant la Biennale d’art contemporain de Venise en 2017 et a fait l’objet d’un livre aux Editions Xavier Barral.

Ses photographies sont présentes dans des collections privées et publiques telles que le Cnap, la Bibliothèque nationale de France, le Musée Guimet.

Il est  représenté par Sabrina Ponti www.sabrinaponti.com

Ouvrages personnels

Ahmedabad, no life last night – Editions Fages
Coït – Editions Fages
Venezia, la scomparsa – Editions Xavier Barral
Des sneakers comme Jay-Z – Emmaüs Solidarité

www.fredericdelangle.com

https://www.instagram.com/fred_delangle/

Rencontrée lors d’un Tête à Tête des Filles de la Photo organisé en zoom pendant le confinement, Dana Cojbuc a intrigué l’image par l’image par la poésie qui se dégage de la série « Conte d’hiver ».  Les images de ces paysages ou de ces personnages étaient bien là, la photographie témoignait de leur présence devant nous, mais quelque chose semblait irréel. Le dessin avait pris le relais d’une histoire et traduit l’imaginaire de la photographe pour l’amener vers des images inventées. Une métaphore de l’année 2021 qui s’ouvre après une année 2020 qui n’a ressemblé en rien à ce que nous avions imaginé.  L’image par l’image vous souhaite  » une bonne année, tout simplement ! « , sans emphase,  avec les images surprenantes et inspirantes de Dana Cojbuc.

Dana Cojbuc a répondu aux questions de l’image par l’image 

Quand avez-vous commencé la photographie ?
Vers 17 ans, j’ai eu l’appareil de mes parents, un Zenith, qui me servait à tout photographier autour de moi, toute chose qui m’intriguait. Nous n’étions pas nombreux, dans mon petit village au sud de la Roumanie, à avoir un appareil photo et, très souvent, les gens allaient se faire photographier dans une fête foraine par le photographe du village. Même decor, même mise en scène. Par la suite j’ai réussi à suivre des etudes à  l’école de Beaux arts de Bucarest, spécialité photographie.

Qu’est-ce qui vous anime ?
L’envie de montrer mes pensées en images, de transformer la réalité que je contemple, de la construire avec mes outils. Quand quelque chose suscite mon intérêt, je ressens l’enthousiasme qui m’envahit, et l’envie de tourner autour de cette chose autant de fois que nécessaire pour avoir la bonne image de cet instant.

Comment choisissez-vous vos thèmes photographiques?
La plupart du temps, je dois m’extraire du quotidien, revenir dans mon village natal en Roumanie, ou être dans un territoire inconnu, souvent en dehors du milieu urbain.
De forts souvenirs peuvent donner naissance à une série comme « Conte d’hiver » qui tourne autour de mon enfance. L’univers de mon village et les gens de là-bas son souvent la source d’inspiration de mon travail.
Contempler la nature et donner une vision propre de celle-ci, inspirée par les coïncidences, les rencontres impromptues.

Pouvez-vous nous éclairer sur votre processus de création et leur réalisation?
Une fois trouvé le point de départ qui peut être un lieu, une personne, un rituel, un détail je ressens comme une obsession, quelque chose qui ne sortira pas de mon esprit avant la réalisation des images, je construis une mise en scène. Leur cadre est souvent un lieu extérieur et elles sont réalisées avec peu de moyens.
Actuellement, j’expérimente la pratique du dessin pour accompagner la photo et dépasser le cadre de l’image.
J’aime l’idée de surprendre le réel par la photo, le continuer par le dessin et l’amener vers des images inventées.

Quelle est votre relation avec la commande photographique ?
Je ne réponds pas souvent à des commandes photographiques mais l’exercice de la commande m’intéresse. Répondre à un cahier des charges tout en gardant une identité visuelle à soi me paraît le plus important.

Des expositions en préparation / des éditions ?
Le contexte actuel n’est pas facile. En octobre 2020 j’étais invitée au festival Confrontations photo à Gex avec la série « Conte d’hiver », festival reprogrammé pour octobre 2021. Fin novembre 2020 la série « Conte d’hiver » devait être accueillie par Le Leurre, un espace d’expérimentation artistique à Granville.
Les images de la série « Conte d’hiver » sont conçues initialement pour un livre jeunesse, livre qui verra le jour en 2021, j’espère.

Née en Roumanie Dana Cojbuc vit  à Paris.
Diplomée de l’Université d’art de Bucarest, département de photographie et vidéo en 2003  et Diplomée de l’Université Panteio d’Athènes, département de communication et média en 2007. Elle a commencé la photographie à Ciolanesti, un petit village au sud de la Roumanie où, dit-elle, « les gens se côtoient en permanence, les rues sont vivantes et tu entends en continu le bruit des animaux.  Je n’y habite plus depuis longtemps mais sans cesse j’y retourne, comme attirée par la familiarité que je conserve avec ces personnes que je ne côtoie pas mais qui ne sont pas non plus des inconnus.
Dans mon travail, je construis des mises en scène qui propose au spectateur de s’évader du quotidien. J’essaie derrière le silence d’une image de faire entendre une respiration, sentir un mouvement ou déclencher un sourire.
Très inspirée par les coïncidences, les rencontres impromptues, les petites choses de la vie, je choisis des coins de nature pour raconter des histoires qui paraissent irréelles, non sans humour ou sans absurdité.
Actuellement, je suis attirée par l’univers de l’enfance. Le village est présent cette fois-ci en tant que décor pour un personnage de conte.
J’expérimente la pratique du dessin pour accompagner la photo et dépasser le cadre de l’image. »

Dana Cojbuc a participé récemment à une  masterclass, avec FLORE et Sylvie Hugues sous la coordination d’Adrian Claret, dont elle dit qu’ « elle a été l’expérience idéale pour moi qui sentais le besoin d’un chef d’orchestre pour avancer dans un nouveau projet.
Ne pas être seule ou hésitante pendant le processus d’un travail photographique est une vraie chance. » 

danacojbuc.net