Paul Rousteau est un rebelle.
La photographie techniquement parfaite ne l’intéresse pas. Ses images sont énigmatiques, elles apparaissent comme des expériences ludiques souvent floues et surexposées, son langage visuel est profondément optimiste, sa vision délibérément naïve. Amoureux de la couleur, proche de la peinture au point que parfois on ne sait plus si l’on regarde le travail d’un aquarelliste impressionniste ou d’un photographe d’aujourd’hui. Il joue des limites du médium photographique, il examine les frontières invisibles entre la photographie et la peinture.  En plaçant son filtre chromatique caractéristique sur chaque petite expérience, il illumine toute la vie dans son monde. Il mêle la vie et l’art et tente de retrouver la joie et la beauté en toutes choses ; il manipule ses images après la prise de vue. Le talent empathique de Paul Rousseau pour faire ressortir l’esprit de ses sujets n’a cessé d’attirer des clients vers son univers. Glissant de manière harmonieuse entre beaux-arts et mode, nature morte et voyages, ses photos ont été publiées dans des magazines, primées et exposées. L’image par l’image a découvert ce travail dans la sélection de finalistes du Prix HSBC pour la photographie 2019 effectué par le conseiller artistique Stefano Stoll. Nous partageons avec vous cet univers, espérant que, comme nous incite Paul, « vous trouverez la joie et la beauté en tout ».

Paul Rousteau a répondu aux questions de l’image par l’image

Quand (et comment) avez-vous commencé la photographie ?
À 18 ans, je suis allé étudier l’art en Belgique, à Saint-Luc Tournai. Malgré ma passion pour la peinture, je me suis tourné vers la photographie, car c’était la pratique à laquelle je m’adonnais le plus au jour le jour. Je suis ensuite aller me perfectionner à l’école de Vevey, en Suisse.

Qu’est -ce qui vous anime ?
Dans mon travail, j’essaie souvent de montrer l’invisible. Je n’ai pas la preuve qu’un monde subtil existe, mais je fabrique des images qui pourraient l’illustrer.
Les objets, les personnes ou les paysages que je photographie sont paradoxalement un prétexte pour traduire ces allégories de l’invisible.

Comment choisissez-vous vos thèmes photographiques ?
Mes thèmes sont des choses que j’aime regarder et qui me donnent de la joie : une fleur, un oiseau, un coucher de soleil, un arbre, un enfant qui rit.

 Pouvez-vous nous éclairer sur votre processus de création et leur réalisation ?
Je veux partager avec le spectateur cet état contemplatif que je vis parfois. Ce « plaisir de voir », ces émotions complexes et intenses sont difficiles à traduire visuellement. C’est pour cela que je fais de nombreuses expérimentations. Parfois, une image se rapproche de ce sentiment et révèle la grâce de la création. Alors je la garde. Je dirais que c’est une technique entre la peinture et la photographie. J’imprime l’image que je repeins ensuite. J’ai expérimenté longtemps avant de trouver ce procédé. Cette technique ambivalente est aussi une manière d’inciter le spectateur à se questionner sur l’image qu’il voit.

Quelle est votre relation avec la commande photographique ?
J’ai toujours réalisé des commandes photographiques. Elles me permettent de rencontrer des univers différents, de faire de voyages, de gagner de l’argent mais surtout de faire évoluer ma photographie. C’est un exercice que j’aime beaucoup et que je développe encore avec beaucoup de marques.

Des expositions en préparation / des éditions ?
Je travaille actuellement sur un projet d’édition et d’exposition avec La Villa Noailles, à Hyères.

Le livre « Geneva » paru aux éditions Louis Vuitton, était- ce aussi une commande ?
Cette commande dans la collection Louis Vuitton Fashion Eye (qui présente des villes, des régions ou des pays à travers les yeux de photographes de mode NDLR)  est une carte blanche afin d’illustrer la ville de Geneve. Quand on m’a proposé ce livre, ma première intention a été de montrer une Suisse paradisiaque et idéale. J’ai voulu montrer une Genève sensuelle, accueillante et voluptueuse, remplie de romances passionnées, de drames sentimentaux.

©Fred Chapotat

Né en France en 1985, Paul Rousteau  a suivi les cours de  l’école alternative Steiner-Waldorf. Il fait ensuite ses études à
l’école de photographie de Vevey, en Suisse;

Il a exposé au Festival Images Vevey en Suisse en 2014, aux Rencontres de la Photographie d’Arles en France en 2016 et à la galerie du jour Agnes b à Paris Photo en 2016. En 2017, il a été sélectionné comme l’un des finalistes pour exposer au Festival d’Hyères en France et en 2019 il fait partie des finalistes du Prix HSBC pour la photographie.
Entre les beaux-arts et la mode, les natures mortes et les voyages, ses photos sont parues dans M, le magazine du Monde, i-D, The New Yorker et Libération;  il a travaillé pour des marques comme Agnès b et Diptyque.

Nolwenn Brod développe une photographie envisagée comme une affinité élective avec les personnes et les paysages qu’elle rencontrent. Son travail, documentaire et plastique, s’alimente de la relation de l’homme à ses propres formes : sa façon d’être, de penser, de se mouvoir, la manière dont ses affects se manifestent vers l’extérieur ; entre réalité et fiction, entre ce qui est prévu et inattendu.

Sa première série, Va t’en me perdre où tu voudras,  remarquée en 2012 au Festival Photaumnales de Beauvais, a déclenché une forte émotion et un intérêt soutenu de l’image par l’image qui  propose à ses lecteurs de découvrir un extrait de ce travail.

Nolwenn Brod a répondu aux questions de l’image par l’image 

Qu’est-ce qui vous anime?
Explorer la dimension de la rencontre, qu’elle soit humaine ou paysagère, où la principale source d’inspiration est celle de l’enthousiasme vécu comme un flux autorisant des associations entre horizon extérieur et intérieur.

Comment choisissez-vous vos thèmes photographiques?
Depuis la série Va t’en me perdre où tu voudras (2012) sur la disparition de mon père en Irlande, mes travaux apparaissent comme des variations de ce travail où l’homme, l’animal, le végétal dialoguent intimement. Je rends compte de l’ambivalence des sentiments, des choses élémentaires que nos vies ont en commun dans une recherche du micro-évènement, de la micro-sensation. Les relations inter-humaines, c’est-à-dire la manière dont les relations inter-personnelles façonnent les individus m’intéressent plus particulièrement aujourd’hui et notamment chez la jeunesse.

Pour la plupart de mes projets, j’ai été invitée  en résidence de création sur un territoire que je connaissais peu ou pas du tout. Avant de m’y rendre, je l’étudie en profondeur, me constitue une sorte de “méta-travail” puis j’en fais une lecture personnelle, suivant les rencontres fortuites qui me donnent des prolongements inattendus.

Pouvez-vous nous éclairer sur votre processus de création et leur réalisation ?
Au début d’un projet on se sent un peu comme sur une mer houleuse, on s’égare dans des directions imprévues, jusqu’à ce que l’idée advienne, où le détail (qu’elle que soit sa forme) qui retient notre intention devient un tout, ça devient pour ma part une obsession. Je m’adapte aux rythmes qui surgissent, aux situations instables suscitées au hasard par les personnes rencontrées : la création interhumaine inconnue et insaisissable détermine mes possibilités.   Mes photographies décrivent en quelque sorte l’ambivalence du rapport de l’homme à ses propres formes : sa façon d’être, de sentir, de penser, de parler, d’agir, avec sa culture, ses idées, ses convictions. J’accumule une constellation d’images qui sera éditée, agencée et je détermine le support, le format.

Vous effectuez aussi des commandes, quelle est votre relation avec cette pratique ?
Je me sens plutôt à l’aise avec la commande photographique tant dans le portrait de presse, le reportage que le corporate.
Le challenge de la commande bouscule le rythme de ma pratique personnelle, le temps de réalisation est souvent très court;  je travaille parfois en équipe : mêler d’autres sensibilités au réel et formes d’expression est très stimulant. Il faut réussir à satisfaire la demande du client tout en préservant son écriture. J’aimerais réaliser à l’avenir des commandes au long cours sur le territoire, travailler avec des sociologues ou des écrivains

Quel est votre enjeu en tant que photographe quand vous faites un travail de commande pour une marque ?
L’enjeu est de pouvoir adapter son écriture à la demande du commanditaire. Cela permet de sortir de sa zone de confort, et ces collaborations peuvent changer notre rapport à la marque. 

Quelle relation voyez -vous entre les marques et la photographie?
Les marques ont indéniablement besoin de la photographie, l’image de la marque passe par l’image photographique, chaque support a son public, et aujourd’hui les influenceurs sont de véritables prescripteurs des marques.

Des expositions? Sur quoi travaillez -vous en ce moment ?
Je prépare l’exposition de mon travail de résidence d’un mois à Lodz en Pologne réalisée en novembre 2018. Je montre également une sélection du Temps de l’Immaturité à Arles avec d’autres photographes de l’Agence Vu. Ce travail sur la Jeunesse européenne est toujours en cours et j’envisage de le développer sur plusieurs années.

Photographe française née en 1985, Nolwenn Brod est diplômée de Gobelins, l’école de l’image. Membre de l’Agence VU et représentée par la Galerie VU’, elle vit et travaille principalement à Paris.
Elle développe ses projets personnels au cours de résidences de création, tout en répondant à des cartes blanches pour les institutions ou des commandes pour la presse. Ses oeuvres sont exposées en France et en Europe, et figurent dans les collections du Musée Nicéphore Niépce, de la Villa Noailles, de la Bibliothèque nationale de France, du CNAP, et d’artothèques.

Les images montrées ici sont extraites de différentes séries :

Le Palais de Justice de Paris

Avril 2018, Reportage pour Libération au Palais de Justice de Paris, derniers jours avant qu’il ne déménage sur le site de Clichy Batignolles. Portrait.

Tessa et son chien Tokyo, issue de la série Les affinités électives, résidence de création à Beyrouth en octobre 2017 dans le cadre du Prix Elie Saab / 32e festival de Hyères

Le petit garçon aux yeux bleus : Diego, 2015. (Collection artothèque de la Roche sur Yon et collection privée) issue de la série « Même une jument est une espèce d’homme » (Lumière d’Août, William Faulkner) initiée en résidence de création à Grand Quevilly  à l’été 2015.

Agata, 2018, issue de la série en cours Le Temps de l’immaturité (titre provisoire-Collection Artothèque de la Roche sur Yon) qui  rend hommage à l’écrivain polonais Witold Gombrowicz qui développa tout au long de son oeuvre les thèmes de la Jeunesse, de l’Immaturité, et des relations interpersonnelles en ce qu’elles façonnent les individus. L’auteure en  donne une interprétation contemporaine en faisant le portrait d’une jeunesse polonaise dont les corps son en prise avec l’inconfort des tensions politiques, sociales, relationnelles ou introspectives. Cette série a été initiée lors d’une résidence de création à Lodz sur une invitation de la villa Noailles, Unseen à Amsterdam et le Lodz Fotofestiwal, membres de FuturesPlatform ; elle envisage de continuer le projet dans les villes que l’écrivain a habitées : Varsovie, Paris, Vence et Buenos Aires.

Actualités
Une partie de cette série est montrée à Arles cet été, Espace MLB – 16 rue Vernon-    

Les commandes de Libération pour la Fashion week homme et la Haute couture ont été publiés dans le « Libé des photographes spécial Arles. »